Curso Arena 3.5.1

Arena es un programa para jugar y analizar partidas y posiciones de ajedrez, y gestionar bases de datos con colecciones de partidas en formato PGN (Portable Game Notation). Todo ello utilizando motores de análisis que pueden adquirirse sueltos.
Arena es un GUI (Game User Interface) gratuito.

Los programas para gestoría de bases de partidas, como ChessBase, o para jugar, como el  Fritz y similares, se venden por separado y su costo es elevado para muchos.
Un software Chessbase tiene un costo entre 119 euros y 469 euros, dependiendo del paquete y todavía hay que adquirir un programa para jugar y analizar con motores., como el Fritz, que cuesta 99 euros en versión sencilla y una base de datos como la Mega Database 190 euros.
Para usar esos programas también hay una curva de aprendizaje… y un sinfín de dudas.

Arena nos puede ahorrar como mínimo 410 euros (cerca de 9 mil pesos) y es funcional para jugadores profesionales o aficionados.

Y para utilizarlo correctamente he elaborado un Curso Completo para aprender a usarlo, dividido en dos videos explicativos.
Estos son los índices de ambos videos, con los temas que trata el curso:


Precio en pesos mexicanos (aprox. 25 euros)

Incluye el programa Arena

La versión de Arena que comparto con quienes adquieren mi curso completo es la 3.5.1, pero “con esteroides”.
Esta versión extendida tiene además los siguientes elementos, listos para usarse y que en muchos casos lleva tiempo y dificultad conseguir por separado.

  • Lenguaje español cargado
  • Fuentes para Notación con Figurines
  • Fuentes para diseño de piezas
  • Libro de aperturas (.abk) actualizado.
  • Motores listos para usar (Stockfish 15 y Komodo 12 entre muchos otros para instalar)
  • Base de datos con fotografías de jugadores registrados por FIDE y jugadores famosos
  • Diseños personalizados con diferentes composiciones de color para el programa
  • Colección de iconos para los motores
  • Bases PGN con partidas famosas (En directorio Databases)

Y el paquete es absolutamente legal y gratuito.

 

El Planeta Fantástico

 

En el primer lustro de los años 70’s  del siglo xx presentaron en una muestra internacional la película francesa/checoslovaca de ciencia ficción, animada, “Le Planete Sauvage”, que se convertiría años más tarde en una película “de culto” y una obra insignia en el cine de animación europeo y que en México tomó el nombre de “El Planeta Fantástico”. La muestra solo fue vista por un puñado de amantes del cine de arte y nunca obtuvo en la gran audiencia una acogida importante.

En esos años mi interés por el cine de arte era ya notorio, y el día que vi la película quedé fuertemente impresionado. El tratamiento de la película me recordaba a los cartelistas polacos y checoslovacos, tan alejados de la estética norteamericana y el tratamiento infantiloide del dibujo animado hollywoodense. Las revistas de cómics europeos y alguna que otra americana, ciertamente no del “main frame”, como “Heavy Metal”, y los ilustradores de arte fantástico y de cuentos eran material que devoraba y alimentaban mi cultura visual y mi background  de imaginería de diseño y arte. El planeta fantástico amalgamaba genialmente la visión surrealista, una estética orgánica absolutamente fantasiosa y un enfoque humanista que le dotaba de una atmósfera única. Por otro lado, la técnica de animación era muy experimental , a la usanza checoslovaca de la época, y no seguía los cánones de producción norteamericanos, ni en el número de cuadros por segundo, ni en la utilización de planos para lograr profundidad y perspectiva, ni en la preocupación por mostrar movimiento “creíble”, “natural” o perfectista. La intención estética tenía otra meta más humanista: causar emoción vía la imaginación, la creatividad desbordada y el respeto  a la inteligencia y cultura del observador. Por medio de una visión poética muy cuidada, se trataban temas para adultos con dibujos animados y se lograban escenas que hubieran sido imposibles en cine actuado, con los medios al alcance de la época. Los dibujantes captaron perfectamente el entorno fantástico del relato, la intención del director y la trama del libretista.

Otro aspecto a valorar enormemente es la música de la película, totalmente ad hoc con el escenario y con esa carga entre mágica y sofisticada. Muy cuidada y en estas fechas, cargada del sabor de la música culta contemporánea de la época. Una producción completa que merece el premio que se le otorgó en Cannes.

La desbordante creatividad para inventar toda una realidad con una naturaleza con sus propias reglas planetarias, sus estaciones, sus colores, su diversidad en fauna y flora me causaron un impacto inmediato. La innecesaria explicación narrada sobre la cultura, la estética y las costumbres de dos razas que cohabitan el planeta, son magistralmente logradas con esa creatividad que se imprimió a cada escena. No importa si en el dibujo y la animación la anatomía, el trazo o la perspectiva no son perfectas, el resultado estético es más importante. No es una película Pixar, con tridimensionalidad y tratamiento realista de luces, personajes y movimientos, es una narrativa evocativa que deja en el receptor una huella estética, simbólica y humanista que suple a la representación hiperrealista de los renders modernos y los efectos CGI. Está más cercana a Dalí, Chirico, y Ernst o a Bataille, y Breton que a los ambientes hiperrealistas o tridimensionales de los animadores y libretistas modernos. Es un arte dolorosamente olvidado, pero cargado de magia, evocación del inconsciente y tratamiento espontáneo del dibujo, el trazo a mano y la no concesión a lo convencional.

El director de la película fue el francés René Laloux ,  y fue un film coproducido por Francia y Checoslovaquia y distribuido en Estados Unidos por Roger Corman. Ganó el premio especial del jurado en el Festival internacional de Cannes de 1973. La historia está basada en la novela “Oms en Série”, del escritor francés Stefan Wul. La imaginería y la estética son obra del escritor y artista francés Roland Topor.

Les dejo la versión original en francés que está cargada en youtube (se produjeron también una versión en inglés y una en checo), con subtítulos en español. (Para ver los subtítulos hay que habilitarlos con el icono de “CC” y después en el icono de engrane, donde hay que escoger el idioma de los subs)

 

 

Siluetas en Luna llena

Este espectacular video de la salida de la luna llena fue tomado por un astro-fotógrafo en Nueva Zelanda.
Les pongo el clip que aparece en la cuenta de Vimeo del autor.

Full Moon Silhouettes from Mark Gee on Vimeo.

Para que se pueda tomar una luna de ese tamaño en relación a las personas en el horizonte, la cámara se debe colocar a unos dos kilómetros de ellas, y acercar la toma con zoom hasta que la luna ocupe el encuadre. El telefoto permitirá que las personas salgan enfocadas y aparenten estar cercanas al fotógrafo. En realidad, las personas están viendo, desde su locación, a la luna del tamaño del grosor de su meñique.
Más explicación sobre esto en un artículo anterior en este blog dando click aquí

El siguiente texto aparece en APOD:
El lento ascenso de una luna casi llena sobre un horizonte despejado puede ser una vista impresionante. Una impresionante salida de la luna fue fotografiada a principios de 2013 sobre Mount Victoria Lookout en Wellington , Nueva Zelanda .

Con una planificación detallada , un astrofotógrafo trabajador colocó una cámara a unos dos kilómetros de distancia y la apuntó a través del mirador hacia donde la Luna seguramente pronto haría su debut nocturno. La secuencia, de disparo único, es sin editar y muestra en tiempo real – no es un time-lapse.

Personas en el mirador del monte Victoria pueden verse en silueta admirando el amanecer del satélite más grande de la Tierra.

Ver la salida de la luna no es difícil: sucede todos los días, aunque solo la mitad del tiempo por la noche. Cada día, la Luna sale unos cincuenta minutos más tarde que el día anterior, y la luna llena siempre sale al atardecer.

La Grosse Fuge op 133 en Si bemol, de Ludwig Van Beethoven

Ludwig van Beethoven conducting with baton – by Katzaroff . German composer 17 December 1770- 26 March 1827

Beethoven no solo fue “el último de los clásicos y el primero de los románticos” sino que vislumbró como ningún otro la música como sería entendida uno o dos siglos más adelante.
De su Grosse Fuge, cuando se le mencionó que había causado el rechazo general, Ludwig respondió «No importa, no la compuse para ellos, sino para el futuro».
Por su estructura rítmica y su complejidad melódica, la 133 es una pieza que pudo ser compuesta por músicos considerados modernos, como Shostakovich, Bela Bartok o ya en términos más modernos, por músicos de Heavy Metal.  En la época de Beethoven la intrincada pero inteligente labor contrapuntística,  que mezclando cuatro voces, era acentuada por un cambio de ritmos,  en su conjunto sonoro dejaba perplejos al público de ese entonces, que opinaban que era como tratar de entender chino.
La pieza al principio formaba parte de una suite con varios movimientos, pero la fuga era totalmente diferente a las otras partes de la obra. Fue un acierto haberla separado como una pieza sola, aconsejado por su editor.  La Grosse Fuge es una obra que se sostiene por si sola y tiene el calado de las grandes composiciones de la historia, aunque sus coetáneos no estuvieran preparados para comprenderla.

Karl Holz, el confidente de los últimos años de Beethoven y violinista del cuarteto que estrenó la obra, le dio a Beethoven la noticia de que la audiencia entusiasmada había pedido “encores” de dos movimientos medios. Beethoven, enfurecido, gruñó: “¿Y por qué no pidieron como encore la fuga? ¡Solo esa debería haberse repetido! ¡Asnos! ¡Ganado!”

Ya en el siglo xx los genios musicales, compositores e interpretes opinaban maravillas de la obra:

“Ahora, a los 80 años, he encontrado una nueva alegría en Beethoven. La Gran Fuga, por ejemplo, ahora me parece el milagro más perfecto en la música … También es la pieza musical más absolutamente contemporánea que conozco, y contemporánea para siempre. … Apenas marcada de nacimiento en su época, la Gran Fuga es, solo en ritmo, más sutil que cualquier música de mi propio siglo … Me encanta más allá de todo “.
– Igor Stravinsky

“Para mí, la Grosse Fuge no solo es la obra más grandiosa que jamás haya escrito Beethoven, sino también la pieza más asombrosa de la literatura musical”.
– Glenn Gould-

Como una buena parte de la música culta, se necesita escuchar la pieza varias veces para ir entendiendo sus diálogos internos, sus diferentes voces y caracteres expresivos y sobre todo su talentosísima forma de combinar sonidos, tiempos y emociones en un continuo dinámico.
He seleccionado algunas interpretaciones que muestran su riqueza creativa y su profunda solidez intelectual, en diferentes arreglos y modos de comprenderla.

Espero que esta muestra de diversos modos de expresarla les permita entenderla y gozarla en su totalidad.

En su versión para cuarteto de cuerdas.
Beethoven: Große Fuge // MEREL QUARTET

Interpretado por The Alexander String Quartet, acompañado de una partitura gráfica animada por el musicólogo y experto en sistemas Stephen Malinowski .
Una forma agradable para ir comprendiendo la complejidad de la obra.

Una explicación de cómo resolvió la animación se puede encontrar aquí:
http://www.musanim.com/GrosseFuge/GrosseFugeViewersGuide.pdf

Una impactante versión para orquesta sinfónica, con la famosa orquesta Philharmonia. 1956 dirigida por Otto Klemperer:

Una deliciosa rendición en arreglo para piano a cuatro manos por el duo Kota

En mi opinión, hablando de música de contrapunto, La Grosse Fuge beethoveniana, junto con el Ricercar a 6 voces, de Johan Sebastian Bach, son las dos obras más importantes del arte de la fuga. (https://www.youtube.com/watch?v=KYouXtuk0T8)
Sobre esa obra bachiana hablaremos después.

Post Script 1
Me parece, en la intención de toda la pieza, que el Concerto Grosso No. 1 pour cordes et piano obligato,  de Ernest Bloch, es hermano de sangre, sobre todo su Preludio (1) y su Fuga (4).
https://youtu.be/0IX46ph9qok

Post Script 2
Para evidenciar aún más el carácter contemporáneo de la fuga beethoveniana, coloco dos versiones para instrumentos de rock (2 guitarras, teclados y bajo, todos en sonido electrónico) Una de ellas muestra una visualización de las cuatro voces de la fuga y la segunda, con mejor calidad de sonido, agrega una batería.
Copio lo que explicó el autor de estas versiones:
Boilerplate: estas pistas fueron creadas para mi propio uso para comprender mejor las obras clásicas de Beethoven. Como guitarrista eléctrico, “escucho” la guitarra y la batería mejor que el violín, por lo que me ayudaron a seguir los diferentes giros melódicos y armónicos que Beethoven utilizó en sus composiciones francamente todavía revolucionarias. Las síncopas extrañas y los dobles pasos y trinos incómodos en el violín suenan aún más emocionantes en la lengua vernácula musical de hoy en mi humilde opinión, y cuando agregas la batería doblando las melodías del bajo, se acerca bastante a la fusión / metal técnico, aunque el metal más complejo que jamás hayas escuchado. . Por supuesto, estos se generan a partir de secuencias “MIDI” y fuentes de sonido activadas (muestras), por lo que es necesario un pequeño acto de fe auditivo. Diviértete y no No espero encontrar a Furtwangler o Barenboim aquí … más como Zappa o King Crimson … ¿tal vez algunos Doors? Merzbow? El uso de este material está permitido siempre que se atribuya crédito.”

Con visualización gráfica de las voces:

Con batería:

Storm

Un poema rítmico de nueve minutos, de Tim Minchin . Versión en vivo (abajo la puse en animación) y subtitulada en español.

Mitchin es un cómico inglés que es conocido por su escepticismo.

De la wikipedia:

En una entrevista con el miembro del IIG John Rael, Minchin explica que lo que más le molesta de las creencias paranormales es el “alegato especial” por parte de las personas que afirman cosas vagas como “no hay daño en ello”. Minchin afirma que cosas como reiki pueden ser muy poco dañinas, pero se pregunta “¿Dónde trazas la línea?” cuando se trata de la necesidad de pruebas reales si una terapia funciona o no. 

En su poema del ‘beat’ Storm, que se centra en una discusión entre Minchin y una “hippie” que cree en diversas alternativas New Age en lugar de en la medicina de verdad, afirma: “La ciencia ajusta su visión tomando como base lo que se observa. La fe es el rechazo a la observación, de forma que dicha creencia se preserve.”

Aquí está la versión animada de su poema rítmico: